Ilya Kabokov es uno de los artistas rusos vivos más influyentes y de más sólida trayectoria. Entre sus múltiples creaciones cuenta con el diseño,  junto con su mujer Emilia Kabakov, de algunas escenografías para Ópera que él prefiere denominar “instalaciones”.  Ilya nació en la Unión Soviética en 1933. Estudió en la Surikov Art Academy de Moscú. Empezó siendo ilustrador de libros para niños para pasar a formar parte posteriormente del grupo de artistas conceptuales de Moscú, siempre al margen de las directrices artísticas que emanaban del sistema oficial.  En 1985 abandonó Rusia, exponiendo por primera vez en París. En 1988 empezó a trabajar con Emilia con quien se casaría cuatro años más tarde.  Todas las creaciones desde que se conocieron han surjido como una colaboración.  

Emilia Kabakov (Kanevsky de soltera) nació en Dnepropetrovsk (Unión Soviética) en 1945. Estudió música en Irkutsk y lengua española y literatura en la Universidad de Moscú. Inmigró a Israel en 1973 y se trasladó a Nueva York en 1975 donde trabajó como marchante de arte durante algunos años.  En la actualidad, los Kabakovs, viven y trabajan en Long Island.

Producciones destacadas:

La vida con un idiota,  De Nederlandse Opera, 1992

Die Tragödie des Teufels, Bayerische Staatsoper, 2010

Saint François d’Assise, La Caja Mágica, Madrid, 2011

  Adrianne Lobel es una reconocida escenógrafa americana de ópera, teatro  y cine. Creció en Brooklyn y gracias a que sus padres eran artistas y les entusiasmaba el teatro,  desde pequeña se familiarizó con el ambiente escénico y los museos de Nueva York. Al tiempo que cursaba sus estudios de secundaria recibió clases de pintura en la Brookling Museum School y de escenografía en una pequeña academia de Greenwich Village. 

Al cumplir 18 años se traslada a Hollywood donde empieza a trabajar diseñando decorados. Dos años más tarde va  a Yale a estudiar escenografía con Ming Cho Lee. 

Ha trabajado en numerosas ocasiones con el director de ópera Peter Sellars, con el coreógrafo americano Mark Morris y con  Francesca Zambello y James Lapine.

Producciones destacadas:

Le nozze di Figaro, Pepsico Summerfare, 1980

Nixon in China, Houston, 1987

Platée, Royal Opera House, 1997

Contact: http://www.facebook.com/#!/profile.php?id=1570039786

Una de las escenografías más conocidas de Lobel es la que realizó para la producción de “Nixon in China” compuesta por John Adams y dirigida por Peter Sellars:

Empezó a trabajar en ella cuando aún no había sido orquestada del todo. Para los diseños se basó no tanto en dibujos y bocetos previos como en fotografías del viaje que realizó Nixon a China en 1972.

“El hecho era un gigantesca oportunidad fotográfica. La primera escena es en la pista del aeropuerto de Beijing; multitudes de soldados aguardan la llegada del avión presidencial.

 Llega el avión; éste es uno de los grandes crecendos musicales que acompaña la llegada de una imagen en la historia de la ópera (¡Gracias John!). Nixon y Mao Tse Tung se encuentran; hablan de filosofía. Mao tiene la delantera, Kissinger está completamente sobrepasado y el presidente chino Zhou Enlai es quien mantiene la paz”. Adrianne Lobel (cfr. Tony Davis, Escenógrafos, Edt. Océano, Barcelona, 2007, p. 151).

Ha trabajado con consagrados directores de escena como Julie Taymor, Robert Falls, Jürgen Flimm, Francesca Zambello y Peter Sellars y con los compositores, Phillip Glass, John Adams, Elliot Goldenthal y el director de cine Andrei Konchalovsky. También ha colaborado en numerosas ocasiones con el director de orquesta ruso Valery Gergiev.

Ha recibido numerosos galardones por su trayectoria, entre otros el  internacional “New and Spontaneous Ideas for the Theater for Future Generations” que le fue otorgado en París en 1977.

Lo que más le preocupa es encontrar la dimensión espiritual del espacio que quiere representar de manera que ésta sea lo más efectiva posible sin tener que recurrir a la racionalidad arquitectónica o a la ilustración literal.

Producciones destacadas:

Oedipux Rex, Saito, 1992

Der Ring des Nibelungen, Netherlands Opera, 1997

 Voina i Mir, Met, 2000

Contact: http://96.0.60.133/opera/opera.html

St François d’Assis, dirigido por Peter Sellars con escenografía de George Tsypin, Festival de Salzburgo, 1992

 Robert Lepage es un actor, dramaturgo y director de ópera, teatro y  cine canadiense de renombre internacional.

Nació en Quebec en 1957. Cuando tenía 5 años contrajo una rara alopecia que al llegar a la adolescencia le llevó al borde de la depresión. Su incombustible pasión por el teatro consiguió sacarle adelante.  A los 17 años ingresó en el Conservatorio de Arte Dramático de Quebec donde cursó sus estudios con brillantes resultados. Pasó un tiempo en París y en 1978 regresó a Quebec. Comenzó su carrera profesional en la década de los 80 alcanzando en pocos años una importante reputación en el mundo teatral.

En su universo creativo tiene un papel muy importante el juego, la historia, la geografía -en la que siempre estuvo interesado-, el mundo oriental y la tecnología más sofisticada.

En 1994 creó Ex Machina, su actual compañía compuesta por un equipo multidisciplinar con el que crea películas, obras teatrales y montajes para Óperas en todo el mundo.  Actualmente Ex Machina tiene su sede en La Caserne un centro de producción experimental ubicado en Quebec que inició su andadura en 1997.

Producciones destacadas:

The Rake’s Progress, Monnaie,  2007

The Damnation of Faust, Met, 2008

Der Ring des Nibelungen, Met, 2010

Contact: http://lacaserne.net/index2.php/

La producción le fue encargada a Dmitri Tcherniakov en el 2006 por Valery Gerviev.  Con ella se interrumpían más de sesenta años de tradición, por lo que fue recibida por un sector de los aficionados  como un ataque al arte ruso más sagrado. La legendaria cantante Galina Vishnevskaya, viuda de Rostropovich, que había interpretado el papel de Tatiana en el Bolshoi, en numerosas ocasiones, llegó a calificar la nueva propuesta de vandálica.

Posteriormente, la producción ha viajado a Beijing, Milan, Tokyo, Londres y París, donde, en líneas generales, ha sido bien recibida por el público, a pesar de la desigual calidad de las voces que se alternan en los repartos.

Contribuye  a dotar de convicción a la meditada propuesta de Tcherniakov, el  magnífico vestuario diseñado por Maria Danilova y una iluminación atmosférica, cambiante y de gran belleza -sin duda la baza visual más poderosa del conjunto-  de la que es responsable Gleb Filchtinsky.

En esta puesta en escena chejoviana -el Chéjov que “va de un sentimiento a otro antes de que sea expresado” del que hablaba Peter Brook-  los hallazgos teatrales se conjugan con una concienzuda dirección de actores.

El enfoque deja al descubierto, sin ambages, la honda fractura emocional que recorre a los personajes, aunque se eche en falta algo más de contención.

Vídeo de la conferencia de José Luis Téllez sobre la ópera (click)

Crítica de Alberto González Lapuente en la prensa (click)

Gérard Mortier opina sobre sobre la  producción en París (click)

Crónica recomendada: Utopía y desencanto (click)

Referentes culturales de la puesta en escena:

Los Actos I y II se desarrollan en el interior del  comedor de la casa de los Larin, en la Rusia  prerrevolucionaria. Predominan los tonos claros y terrosos tanto en los sólidos muebles de nobleza rústica como en los sencillos pero elegantes vestidos. La calidad poética de la luz  recuerda algunas películas del cineasta ruso Andrei Tarkowski y de su compatriota Aleksandr Sokurov.

"Sacrificio" dirigida por Andrei Tarkovski en 1987.

La sala  soleada, la pequeña y robusta alacena, los manteles bordados, la vajilla de cerámica antigua, las texturas de la madera desgastada pero noble, evocan la nostalgia del alma rusa por la vida campesina, ordenada y en paz.

El Acto III, también tiene lugar en un comedor con una gran mesa, pero la época y la atmósfera  han cambiado radicalmente. Los peinados y recargados vestidos nos trasladan a los años 50. Un interior lujoso y axfisiante donde se alternan el rojo, que hace presentir un desenlace trágico, y un blanco frío y refulgente. Es difícil no recordar la utilización que de ese mismo binomio cromático hizo Bergman en Gritos y susurros (1972):

Sin embargo el simbolismo de este salón despojado de cualquier tipo de ensoñación, es muy diferente al de los interiores de Bergman. En el ostentoso comedor del Palacio Gremin, las joyas relumbrantes, los pretenciosos vestidos, los gestos de vacía complacencia,  son la metáfora exacta de la artificiosidad de las convenciones sociales. 

El significado de la omnipresente mesa oval en los tres actos, ha sido explicado por Tcherniakov en la entrevista que se recoge en el número 01 de La Revista del Real:

“Lo que caracteriza al mundo ruso está relacionado con el espíritu de convivencia. Por esto es por lo que una gran mesa oval ocupa un lugar predominante en mi propuesta escénica. Las personas están alrededor de esta mesa y forman un retrato de grupo en una sociedad normativa; familiares los unos de los otros porque se conocen, pero distantes porque no se comprenden”.

Desde que vió, una producción de La Boheme, cuando era aún muy joven, se entusiasmó con la ópera que pasó a ser una de sus pasiones dominantes.

En 1961 viaja a Nueva York donde conoce a Andy Warhol y a Dennis Hopper. En 1964 se traslada a Los Ángeles donde realizará sus primeras pinturas de piscinas. Posteriormente vive varios años en París y también viaja a China, escribiendo un libro con sus impresiones.

A Hockney le interesa experimentar, por lo que que durante su trayectoria ha compaginado su obra pictórica con las fotografías de Polaroid que combina en lo que él llama ensamblajes, ilustraciones, poesías e interesantes escenografías para ópera.

Producciones destacadas:

The Rake’s progress, Glyndebourne, 1975

Tristan und Isolde, Los Ángeles, 1986

Turandot, San Francisco, 1990

Contact: http://www.hockneypictures.com/

Ha trabajado como asistente de dirección con Luc Bondy y Göran Järvefelt. En 1990 empieza a montar en Stuttgart sus propias producciones de teatro, con obras de Racine, Marivaux y Gorki, y de ópera con “Die Zauberflöte” de Mozart. 

Desde 1997 colabora con la Deutsche Oper am Rhein de Düsseldorf, la Ópera de Bremen, la  de Hamburgo y la  de Fráncfort. Ha sido invitado además por el Teatro de la Monnaie, la Royal Opera House,  el Festival de  Glyndebourne,  la Bayerische Staatsoper y el  Theater an der Wien, entre otros. 

Es especialista en Mozart y ópera barroca en general, aunque también ha abordado con éxito otros autores. Sus directores de referencia son Giorgio Strehler, Patrice Chéreau y Luc Bondy.

En el 2001, recibió el Music award of the city of Duisburg  siendo nominado también a los Lawrence-Olivier-Award. En 2003 y 2004 fue votado como “Director del Año” por los críticos de la prestigiosa revista alemana Opernwelt

Producciones destacadas:

 Iphigénie en Aulide, Glyndebourne, 2002 

Roberto Deveraux, Bayerische Staatsoper, 2004

Lulu, Teatro Real y ROH, 2009.

Christof Loy conversa con el dramaturgo Thomas Jonick sobre el personaje de Lulú (click)

Contact: http://www.christof-loy.de/

Antonio del Moral ha sido, desde 2005 hasta septiembre de 2010, director artístico del Teatro Real de Madrid. Su predecesor en el cargo fue Emilio Sagi. El belga Gérard Mortier será el encargado de relevarle.

Aunque procede de una familia con gran tradición musical, empezó estudiando Medicina. Ha escrito numerosas críticas musicales en prensa. En 1985 fundó la prestigiosa revista “Scherzo” que dirigió hasta el 2001.

Es fundador del Festival Mozart de Madrid y ha dirigido también el de la Coruña, asi como la Semana de Música Religiosa de Cuenca.  Asesor musical de la Fundación Caja Madrid  ha programado numerosos ciclos de  conciertos que han tenido una gran resonancia en la vida cultural española. Entre otras muchas actividades, que hacen que sea bien conocido fuera de nuestro país, es miembro del Comité del Concurso de Piano Umberto Micheli de Milán, impulsado por Maurizio Pollini, Pierre Boulez y Luciano Berio.

En julio de 2010 ha sido nombrado director del recién creado Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) que aúna las competencias de programación y gestión musical del Auditorio Nacional de Música, las del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea (CDMC) y las del Centro de las Artes Escénicas y de las Músicas Históricas de León.

De su gestión en el Teatro Real, muy valorada en los circuitos internacionales por su coherencia e innovación, el propio Antonio del Moral ha destacado, en una entrevista concedida a S. Gaviña (ABC, 15/07/2010), las óperas, que a su juicio son las mejores entre las que ha programado:

Diálogo de Carmelitas, 2006. Director de escena: Robert Carsen 

Ariadne auf Naxos, 2006. Director de escena: Christof Loy

Crónica recomendada: “Fusión de altura” 

El triunfo del Tiempo y del Desengaño, 2008. Director: Jünger Flimm

Crónica recomendada: “Entre Placer y Desengaño” 

Tristan und Isolda, 2008.  Director de escena: Lluis Pasqual

Crónica recomendada: “Tristan en los tiempos del cólera” 

Tamerlano, 2008. Director de escena: Graham Vick

Katia Kabanova, 2008. Director de escena: Robert Carsen

Crónica recomendada: “Aguas que purifican” 

Jenufa, 2009. Director de escena: Stéphane Braunschweig

Crónica recomendada: “El recuerdo más amargo”

Salome, 2010. Director de escena: Robert Carsen

Crónica recomendada:  “Salomé en el espejo” 

La ciudad muerta, 2010. Director de escena: Willy Decker.

Su padre era director de una fábrica de motocicletas que los nazis reconvirtieron en una pequeña industria de recambios de automóviles.  Durante esos años su padre formó parte de la resistencia alemana aunque al acabar la II Guerra Mundial no se tuvo en cuenta y estuvo encarcelado durante dos años  por colaboracionista. Todo eso afectó a Stein de tal manera que empezó a ir de mal en peor en los estudios.

Después de una pequeña temporada en la Universidad de Fráncfort se trasladó a la de Munich donde presentó su tesis doctoral sobre las obras de E. T. A. Hoffmann. Pronto empezó a trabajar en el mundo del teatro que era lo que de verdad le interesaba. La mayor parte de las obras que dirigió, sobre todo en los inicios, tenían un marcado carácter político, muy crítico con el sistema.

Su trabajo como director, entre 1970 y 1985, en la Schaubühne marcó un hito en la historia del teatro alemán. Tras su retirada, que coincidió con el fin de su relación con la actriz Jutta Lampe,  dirigió el Festival de Salzburgo de 1991 a 1997. Ha decidido quedarse a vivir en Italia, aunque desea ser enterrado en Alemania.

Ha puesto en escena a los grandes clásicos -Esquilo, Shakespeare, Ibsen, Kleist..-, pero también a autores contemporáneos como  Botho Strauss. Uno de sus dramaturgos más reverenciados es  Chéjov. De la obra de ese inmenso escritor ruso, Stein ha afirmado que es el lugar donde el actor “aprende  a conocer el corazón del teatro”, y  “la prueba máxima” a la que puede someterse cualquier intérprete.

Su diseñadora de vestuario preferida es Moidele Bickel con quien ha colaborado en numerosas puestas en escena para la ópera.

Producciones destacadas:

Pelleas et Mélisande, Welsh National Opera, 1992

Simon Boccanegra, Teatro Comunale Florence, 2002

La producción fue la misma que vino a Madrid en 2002 si bien presentaba algunas variantes, sobre todo en la tonalidad, ya que se habían aclarado los elementos arquitectónicos.  Se trata de una propuesta fría y severa que remite a un mundo atemporal de resonancias clásicas. La escala monumental con que se ha vestido el escenario del Real  resta protagonismo al drama humano, al igual que la iluminación, demasiado monótona para una ópera que clama por un tratamiento más matizado que acompañe a la acción narrativa.  

Tampoco acierta Del Monaco, al reaprovechar unas filmaciones de bajísima calidad  de un mar repetitivo, sin poder evocador alguno.  Lo que sí es aceptable  es el vestuario ya que aunque no ayude a diferenciar con claridad a los personajes,  al menos,  tanto en texturas como en gama cromática es intachable. 

A continuación señalamos algunas influencias de una puesta en escena más antigua pero también más paradigmática: la que realizó Del Monaco, con el escenógrafo Michael Scott, para el Metropolitan Opera House de Nueva York (Met) en 1995.

Referentes culturales de la puesta en escena del Met de 1995:

Aunque el libreto de Francisco Maria Piave y Arrigo Boito, sitúa la acción en la Génova del siglo XIV, esta producción está inspirada en Venecia: la atmósfera cromática es tizianesca, las estancias recuerdan el Palazzo Ducale y el vestuario es una cita, casi literal, de algunos cuadros que se conservan en ese Palacio.

Como ejemplo véase el “Retrato del Dogo Pietro Doredan”  del famoso pintor veneciano Palma el joven, fechado en 1595,  que fue realizado para la Sala del senado del Palazzo:

Abajo, otra  imagen de la producción de 1995. La escena, según el libreto tiene lugar en el Palacio Grimaldi, la sede de gobierno de los dux de la república marítima de Génova, pero Giancarlo del Mónaco prefirió inspirarse en el Palazzo Ducale de Venecia:

En la imagen inferior vemos el  frente este de la Sala de Gobierno del Palazzo Ducale, donde los dogos venecianos impartían justicia y se elegía a los miembros de las magistraturas. La sillería rematada en frontón debió ser el punto de partida del diseño del escenógrafo, Michael Scott, al igual que la pintura de la pared, que como es sabido, le fue encargada a Tintoretto, que tenía ya por entonces setenta años. Se trata de un gran óleo sobre lienzo, encastrado en la pared, que representa el paraíso en círculos concéntricos. Fue pintado hacia 1588 y es una de las glorias de Venecia, además de ser uno de los lienzos más grandes del mundo:

Para la producción de 1995, se simplificó el abigarrado grupo de santos y de ángeles pero se conservó la disposición circular de las figuras. Michael Scott debió tomar como modelo el boceto de la pintura que hizo Tintoretto y que hoy custodia el Museo del Louvre:

Plácido Domingo, que en 1995 interpretó a  Gabriele de Adorno, otro de los protagonistas de la ópera, fue el corsario Boccanegra en diversas reposiciones de esa producción que ya se considera histórica en el Metropolitan:

Los que prefieran una puesta en escena más sobria y menos historicista, quizá estén interesados en la producción que para la Royal Opera House ha planteado en este mes de julio de 2010 el director australiano nacido en Shanghai, e hijo de judíos rusos, Elijah Moshinsky. Se trata de una reposición de la propuesta que presentó Moshinsky en 1991. En el vídeo Plácido Domingo en el papel de Boccanegra y María Poplavskaya en el de Amelia Grimaldi:

Por último, veamos la misma escena en una representación referencial, la que dirigió el  gran Giorgio Strehler en el Teatro alla Scala en 1978.  Interpreta a  Bocanegra, el  barítono verdiano Piero Cappuccilli y a Amelia Grimaldi, la soprano italiana Mirella Freni.  A la batuta Claudio Abbado: