Ilya y Emilia Kabakov

10 julio, 2011

Ilya Kabokov es uno de los artistas rusos vivos más influyentes y de más sólida trayectoria. Entre sus múltiples creaciones cuenta con el diseño,  junto con su mujer Emilia Kabakov, de algunas escenografías para Ópera que él prefiere denominar “instalaciones”.  Ilya nació en la Unión Soviética en 1933. Estudió en la Surikov Art Academy de Moscú. Empezó siendo ilustrador de libros para niños para pasar a formar parte posteriormente del grupo de artistas conceptuales de Moscú, siempre al margen de las directrices artísticas que emanaban del sistema oficial.  En 1985 abandonó Rusia, exponiendo por primera vez en París. En 1988 empezó a trabajar con Emilia con quien se casaría cuatro años más tarde.  Todas las creaciones desde que se conocieron han surjido como una colaboración.  

Emilia Kabakov (Kanevsky de soltera) nació en Dnepropetrovsk (Unión Soviética) en 1945. Estudió música en Irkutsk y lengua española y literatura en la Universidad de Moscú. Inmigró a Israel en 1973 y se trasladó a Nueva York en 1975 donde trabajó como marchante de arte durante algunos años.  En la actualidad, los Kabakovs, viven y trabajan en Long Island.

Producciones destacadas:

La vida con un idiota,  De Nederlandse Opera, 1992

Die Tragödie des Teufels, Bayerische Staatsoper, 2010

Saint François d’Assise, La Caja Mágica, Madrid, 2011

Adrianne Lobel

29 enero, 2011

  Adrianne Lobel es una reconocida escenógrafa americana de ópera, teatro  y cine. Creció en Brooklyn y gracias a que sus padres eran artistas y les entusiasmaba el teatro,  desde pequeña se familiarizó con el ambiente escénico y los museos de Nueva York. Al tiempo que cursaba sus estudios de secundaria recibió clases de pintura en la Brookling Museum School y de escenografía en una pequeña academia de Greenwich Village. 

Al cumplir 18 años se traslada a Hollywood donde empieza a trabajar diseñando decorados. Dos años más tarde va  a Yale a estudiar escenografía con Ming Cho Lee. 

Ha trabajado en numerosas ocasiones con el director de ópera Peter Sellars, con el coreógrafo americano Mark Morris y con  Francesca Zambello y James Lapine.

Producciones destacadas:

Le nozze di Figaro, Pepsico Summerfare, 1980

Nixon in China, Houston, 1987

Platée, Royal Opera House, 1997

Contact: http://www.facebook.com/#!/profile.php?id=1570039786

Una de las escenografías más conocidas de Lobel es la que realizó para la producción de “Nixon in China” compuesta por John Adams y dirigida por Peter Sellars:

Empezó a trabajar en ella cuando aún no había sido orquestada del todo. Para los diseños se basó no tanto en dibujos y bocetos previos como en fotografías del viaje que realizó Nixon a China en 1972.

“El hecho era un gigantesca oportunidad fotográfica. La primera escena es en la pista del aeropuerto de Beijing; multitudes de soldados aguardan la llegada del avión presidencial.

 Llega el avión; éste es uno de los grandes crecendos musicales que acompaña la llegada de una imagen en la historia de la ópera (¡Gracias John!). Nixon y Mao Tse Tung se encuentran; hablan de filosofía. Mao tiene la delantera, Kissinger está completamente sobrepasado y el presidente chino Zhou Enlai es quien mantiene la paz”. Adrianne Lobel (cfr. Tony Davis, Escenógrafos, Edt. Océano, Barcelona, 2007, p. 151).

George Tsypin

8 enero, 2011

  George Tsypin es escultor, arquitecto y escenógrafo de ópera, ballet, cine y vídeo. Nació en 1954 en Kazakhstan. Estudió arquitectura en Moscú, graduándose en 1977. En 1979 se fue a vivir a  Estados Unidos, instalándose en Nueva York. Allí colaboró durante un año en el estudio de arquitectura HLW y estudió un postgrado de escenografía en la Universidad. Cuando acabó el curso fue contratado par realizar la escenografía de varios espectáculos para el nuevo “American National Theatre” en el Centro Kennedy de Washington. Tras diseñar numerosos escenarios de teatro en la década de los 90, empezó a dedicarse a la ópera alcanzando renombre internacional.

Ha trabajado con consagrados directores de escena como Julie Taymor, Robert Falls, Jürgen Flimm, Francesca Zambello y Peter Sellars y con los compositores, Phillip Glass, John Adams, Elliot Goldenthal y el director de cine Andrei Konchalovsky. También ha colaborado en numerosas ocasiones con el director de orquesta ruso Valery Gergiev.

Ha recibido numerosos galardones por su trayectoria, entre otros el  internacional “New and Spontaneous Ideas for the Theater for Future Generations” que le fue otorgado en París en 1977.

Lo que más le preocupa es encontrar la dimensión espiritual del espacio que quiere representar de manera que ésta sea lo más efectiva posible sin tener que recurrir a la racionalidad arquitectónica o a la ilustración literal.

Producciones destacadas:

Oedipux Rex, Saito, 1992

Der Ring des Nibelungen, Netherlands Opera, 1997

 Voina i Mir, Met, 2000

Contact: http://96.0.60.133/opera/opera.html

St François d’Assis, dirigido por Peter Sellars con escenografía de George Tsypin, Festival de Salzburgo, 1992

David Hockney

27 agosto, 2010

David Hockney es un destacado pintor, ilustrador, fotógrafo, diseñador, figurinista y escenógrafo, perteneciente a la segunda generación del pop art británico. Nació en Brathford en 1937. Se formó en el Bradford College of Art y en el Royal College of Art de Londres.

Desde que vió, una producción de La Boheme, cuando era aún muy joven, se entusiasmó con la ópera que pasó a ser una de sus pasiones dominantes.

En 1961 viaja a Nueva York donde conoce a Andy Warhol y a Dennis Hopper. En 1964 se traslada a Los Ángeles donde realizará sus primeras pinturas de piscinas. Posteriormente vive varios años en París y también viaja a China, escribiendo un libro con sus impresiones.

A Hockney le interesa experimentar, por lo que que durante su trayectoria ha compaginado su obra pictórica con las fotografías de Polaroid que combina en lo que él llama ensamblajes, ilustraciones, poesías e interesantes escenografías para ópera.

Producciones destacadas:

The Rake’s progress, Glyndebourne, 1975

Tristan und Isolde, Los Ángeles, 1986

Turandot, San Francisco, 1990

Contact: http://www.hockneypictures.com/

László Moholy-Nagy

3 julio, 2010

László Moholy-Nagy fue un diseñador gráfico,  escenógrafo, escultor, pintor y fotógrafo húngaro. Ejerció como profesor de la Bauhaus llegando a ser uno de los fotógrafos más innovadores de la Escuela. Nació en 1845 y murió de leucemia en Chicago en 1946.

En 1913 comienza en Budapest la carrera de Derecho que  ve interrumpida por la Primera Guerra Mundial ya que es reclutado por el ejército austro-húngaro. Durante una permanencia en un hospital militar, en 1915,  hace sus primeros dibujos experimentando con tiza y tinta china. Acabada la guerra decide abandonar sus estudios de  Derecho y dedicarse por completo a la pintura. En 1920 se traslada a Berlín donde contacta con los expresionistas de “Der Sturm”, los dadaístas y los constructivistas rusos. También conoce a la fotógrafa Lucia Schulz con la que trabajará durante varios años y a la que acabará pidiendo que sea su esposa. En 1923 es llamado por Walter Gropius a la Bauhaus de Weimar para ser “maestro de forma” y profesor en el taller de metal. Cuando Johannes Itten abandone su puesto le sustituirá como profesor del Vorkurs, el curso básico de formación por el que todos los estudiantes tenían que pasar antes de especializarse. Edita varios libros de los profesores de la Bauhaus, escribiendo  él mismo alguno como el de “Pintura, fotografía, cine” de 1925.  Posteriormente dirigirá un taller de diseño gráfico en Berlín hasta 1934 y realizará  escenografías para Piscator y la Krolloper de Berlín.

Desde 1926 hace incursiones en el cine experimental. En 1930 realiza el famoso “Modulador-luz-espacio”, la primera escultura cinética con luz. Después de emigrar en 1935 a Amsterdam y en 1935 a Londres, donde se dedicará al diseño gráfico, se traslada definitivamente a  Chicago donde fundará en 1937 la Escuela de Diseño que él llamará New Bauhaus. Ésta se cierra al año siguiente, por lo que funda la School of Design. A partir de 1944 se dedica de nuevo a la pintura hasta su muerte en 1946.

Producciones destacadas:

Cuentos de Hoffman, Krolloper, 1929

Madame Butterfly, Krolloper, 1931

William Kentridge

29 junio, 2010

William Kentridge es un polivalente artista sudafricano. Es diseñador, guionista, actor, escenógrafo y director de cine y ópera.  Ha llegado a ser muy apreciado por sus melancólicas  y primitivas películas de animación que realiza partiendo de sus propios dibujos realizados a carboncillo y que a pesar de su carácter poético encierran con frecuencia una contundente denuncia al sistema político y social.

Nació en 1955 en Johannesburgo. Allí estudió Bellas Artes y  se doctoró en Política y Estudios Africanos en 1976. Al acabar y hasta 1978  se especializa en grabado en la Johannesburg Art Foundation. En 1981 se traslada a  a París para estudiar mimo y teatro en L’École  con el famoso Jacques LeCoq. Allí se da cuenta de que no va a ser un buen actor, por lo que en los años 80, abandona definitivamente la idea y  empieza a trajabar en series para la televisión como director de arte.

En 1989 realiza a partir de sus dibujos una película de animación Johannesburg, 2nd Greatest City After Paris, que será la primera de una larga serie que hará que su trabajo sea conocido en todo el mundo.  Estas películas de animación están realizadas con una técnica que él mismo denomina “cinematografía de la edad de piedra” consistente en alterar, borrar y redibujar el esbozo inicial hasta llegar a un dibujo sencillo y contundente, elemento protagonista de todas sus creaciones.

Desde1992 colabora con la Handspring Puppet Company  elaborando piezas teatrales en las que utiliza títeres, animación y actores reales. Fiel a ese espíritu, la primera puesta en escena de “Woyzeck” con esta compañía fue realizada con marionetas, películas de animación y performances en vivo. Ha celebrado ya numerosas exposiciones individuales y ha participado en varias bienales de arte contemporáneo europeo.  En 1999 fue galardonado con el Carnegie Prize.

Producciones destacadas:

Il ritorno d’Ulisse in patria, Lincoln Center, 2004

Die Zauberflöte, La Monnaie, 2005

The Nose, Met, 2010

Robert Wilson

28 junio, 2010

Bob Wilson es un inclasificable artista que es a la vez arquitecto, escultor, diseñador, director de ópera y teatro, escenógrafo, coreógrafo, iluminador y dramaturgo. Vive en Nueva York y pasa los veranos en Long Island.

Nació en 1941 en Waco (Texas). Estudió unos años de administración de empresas en la Universidad de Texas. En 1963 se inclinó por la arquitectura e hizo un curso en el Brooklyn’s Pratt Institute. Durante ese tiempo fue a las clases de Sibyl Moholy-Nagy, la viuda del famoso diseñador de la Bauhaus. También estudio pintura con George McNeill, en el American Center en París y arquitectura con el visionario Paolo Soleri en Arizona.

A su vuelta a Nueva York, se interesó por el ballet, entrando en contacto con  los mejores coreógrafos de la danza experimental: Martha Graham, Merce Cunningham y George Balanchine.  En 1968 fundó The Byrd Hoffman School of Byrds que lleva el nombre del profesor que le ayudó a superar una discapacidad que tenía cuando era niño. Se trataba de un grupo de artistas experimentales que trabajaban juntos en un  loft de Nueva York.

Las imágenes de su infancia, como los cielos azules imperturbables, pueblan sus enigmáticas creaciones cargándolas de simbolismo y  misterio. Sus estáticas puestas en escena y sus ritmos solemnes y sosegados inspirados en el mundo oriental, poseen una sorprendente belleza que ante todo celebra la sencillez.

Ha colaborado con artistas de la talla de Philip Glass, Heiner Müller, David Byrne, Tom Waits y William Burroughs.

Producciones destacadas:

Einstein on the Beach, 1976

Orphee et Eurydice, Châtelet, 1999.

Die Frau ohne Schatten, Bastille, 2002

Contact: http://www.robertwilson.com/

Herbert Wernicke

24 junio, 2010

Herbert Wernicke fue un director, escenógrafo y figurinista de ópera alemán conocido por sus producciones polémicas y poco convencionales. Nació en la Selva Negra en 1946 y murió en 2002 de forma repentina a los 56 años. La mayor parte de su vida transcurrió en Basilea.

Estudió flauta, piano, dirección de orquesta y composición en el Conservatorio de Braunschweig y escenografía en la Academia de Munich con el figurinista y escenógrafo Rudolf Heinrich. Estudió además pintura, historia del arte y disciplinas teatrales en Munich, Londres y París. Fue ayudante durante un tiempo del gran director de teatro y ópera Walter Felsenstein. Al principio de su carrera empezó diseñando sólo escenografías para el teatro pero pronto pasó a dirigir sus propias producciones.

Su contribución a la historia de la dirección escénica en la ópera ha sido enorme aunque en su momento sus producciones fueran controvertidas e incluso desestimadas por gran parte de la crítica especializada. En el 2001 le fue otorgado el Bayerischer Theaterpreis y al año siguiente el Europäischer Kulturpreis (premio europeo de la cultura).

Producciones destacadas:

La Calisto, 1993

Orfeo, Salzburgo, 1993

Der Rosenkavalier, Salzburgo, 1995

Julie Taymor

21 junio, 2010

Julie Taymor es  actriz, guionista, compositora, escenógrafa, figurinista y directora de musicales, teatro, cine y ópera.  También es una fantástica e imaginativa creadora de máscaras y marionetas, y una importante coleccionista de esa manifestación artística tan simbólica.

Nació en 1952 en una barriada de Boston. Su padre era ginecólogo y su madre profesora de ciencias políticas. A la edad de 7 años ya dibujaba a su hermana en escenarios teatrales que luego regalaba a sus padres. Con 9 años empezó a formar parte de una compañía de teatro para niños.  Siendo todavía bastante pequeña decidió viajar a otros países para formarse. Vivió en Sri Lanka y la India con el Experiment in International Living program, que le llevó posteriormente a París, donde estudió mimo con Jacques Lecoq en  L’École Internationale de Théâtre. De 1969 a 1974 para completar su formación fue al Oberlin College de Ohio donde profundizó en materias como la mitología y el folclore y su influencia en el teatro.  Después de su graduación fue a vivir a Japón donde estudió el arte de las marionetas del teatro Bunraku. Posteriormente se trasladó durante cinco años a Indonesia, para dirigir un teatro internacional compuesto por actores asiáticos, europeos y americanos.

A su regreso a Estados Unidos trabajó en musicales para Broadway y empezó a dirigir óperas y clásicos de Shakespeare. Ha ganado dos Tony Award por la  producción de El rey león  diseñando para la ocasión más de cien sorprendentes e imaginativos trajes y máscaras de animales.

En la actualidad vive y trabaja en Manhattan con su marido el compositor Elliot Goldenthal, uno de sus más asiduos colaboradores.

Producciones destacadas:

Oedipux Rex,  Saito Kinen Festival (Japón), 1992

Salome, Kirov Opera (St. Petersburgo), 1994

La flauta mágica, Met, 2006

 Contact: Agent: International Creative Management, 40 West 57th St., NewYork, NY 10009.; Publicist: I/D PR NY, 451 Greenwich St., 2nd floor, New York, NY 10013.

Dmitri Tcherniakov

17 junio, 2010

Dmitri Tcherniakov es un polémico director, escenógrafo y ocasional diseñador de vestuario, conocido en Europa cuando comenzó como “la joven promesa de la escena rusa”. Nació en Moscú en 1970.  En 1993 se graduó en la GITIS (Academia rusa de las Artes y el Teatro).

Su carrera se vió impulsada en sus inicios por el apoyo incondicional de Gérard Mortier, director artístico del Teatro Real de Madrid desde 2010, que descubrió en él un talento teatral poco común. Respeta siempre la partitura y el libreto de las óperas que produce pero sus puestas en escena nunca son historicistas. Sus actualizaciones radicales aunque sean coherentes y muy elaboradas no siempre son bien recibidas por el público.

Su estilo visual es sobrio pero muy meditado y su paleta cromática, salvo contadas excepciones, es sutil y  matizada. Una de sus metáforas más habituales es una gran mesa vacía en el centro de la escena.

Normalmente diseña también los escenarios y en ocasiones el vestuario de sus producciones. En Rusia ha recibido como reconocimiento a su trabajo un gran número de galardones entres ellos el International Stanislavsky Prize y la  Golden Mask de Rusia en cuatro ocasiones.

Producciones destacadas:

Eugene Onegin, Bolshoi, 2006

 Khovanshchina, Bayerische Staatsoper, 2007

Dialogues des Carmelites,  Bayerische Staatsoper, 2010

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